Y ahora... ¡LOS OSCARES 2015!

La segunda entrada obligada, aunque sea anual, es la quiniela para los Oscares 2015, quizás el año más predecible en cuanto a premios principales.

Aquí va, comentada:

MEJOR PELÍCULA: Boyhood.

The Imitation Game y The Theory of Everything podrían dar sorpresas pero poco probable.

MEJOR DIRECTOR: Richard Linklater (Boyhood) por trayectoria.

La sorpresa solo podría venir de Wes Anderson (The Grand Hotel Budapest).

MEJOR ACTOR PRINCIPAL: Michael Keaton (Birdman) es la categoría más cantada así que no le apueste si es que quiere ganar por altos momios.

La sorpresa (si hubiera sería bien pagada en las apuestas) puede ser Eddie Redmayne por  su actuación de Stephen Hawking en The Theory of Everything pero sería “relativamente improbable”.

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL:  Va para Julianne Moore por “Still Alice”.

Los caballos negros son Rosamund Pike por “Gone Girl” y menos alcanzable para Reese Whiterspoon por “Wild” (debido a que ya tiene un Oscar).

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: La más peleada hasta ahora sería la categoría de los nuevos valores o de las viejas trayectorias en este caso premiaría el buen y constante trabajo de J.K. Simmons (nuestro J.J. Jameson favorito) por “Whiplash”, según las últimas tendencias.

El contendiente más fuerte y también probable ganador podría ser (por trayectoria y pasadas nominaciones) Robert Duvall por “The Judge”.

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: La tendencia va para Patricia Arquette por “Boyhood” pero Laura Dern por “Wild” y Keira Knightly por “The Imitation Game” se acercan peligrosamente.

La Academia saluda a Emma Stone por “Birdman” como bienvenida a una de las actrices favoritas de la Industria.

MEJOR GUION ORIGINAL: Aquí viene el reconocimiento/consolación para González Iñárritu por “Birdman”.

MEJOR GUION ADAPTADO: Le damos el voto a “The Imitation Game” aunque “The Theory of Everything” puede llevarse esta misma categoría.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA: Si la Academia se pone malinchista sería la primera vez que una secuela gane (“How to train your Dragon 2”) o podría emular a la primera vez que se dio este premio dándoselo a un representante de Japón (“Kaguyahime no monogatari”) en cuyo caso no la veremos programada en Cinepolis ni en ningún otro cine (al igual que las que participan en la categoría de Película en Idioma Extranjero).

MEJOR PELÍCULA EN IDIOMA EXTRANJERO: Votamos por Ida aunque aquí todas tienen la misma chance excepto Argentina quien ya recibió un Oscar recientemente.

MEJOR CINEMATOGRAFÍA: Contra todo lo manifestado anteriormente, Emmanuel Lubezki puede repetir por “Birdman” debido a lo especial de su trabajo.

MEJOR VESTUARIO: Para “The Grand Hotel Budapest”.

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Para “The Grand Hotel Budapest”.

MEJOR EDICIÓN: Parecería arbitrario pero el voto va para la película más larga de las nominadas: “Boyhood”.

MEJOR MEZCLA DE SONIDO: Para “Interstellar”.

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO: Como su hermanita anterior va para “Interstellar”.

MEJORES EFECTOS VISUALES: Aunque este año sea la categoría Marvel, creo que este Oscar va para “Interstellar” que fue visualmente más arriesgada y utilizó aparatos especialmente creados para filmar esta película.

MEJOR MAQUILLAJE: Ahora sí se reconoce a la taquillera “The Guardians of the Galaxy”.

MEJOR CANCIÓN: Para “Selma” por la presencia de John Legend.

Lo sentimos por la compensación para “The Lego Movie”.

MEJOR MÚSICA: Al no estar “Birdman” se limpia el camino para Hans Zimmer quien pensó fuera de su caja para “Interstellar”.

MEJOR CORTO ANIMADO: Difícil categoría pero vamos por “The Bigger Picture”.

MEJOR CORTO DE ACCIÓN: Votamos por “La lampe au beurre de yak”.

MEJOR CORTO DOCUMENTAL: “White Earth”.

MEJOR DOCUMENTAL: Para “La Sal de la Tierra”, aunque Wim Wenders puede pesar en contra.

Lo cual nos dejaría con "American Sniper", "Foxcatcher", "Gone Girl", "Wild", "Nightcrawler", "Inherent Vice", "Unbroken", un poco de "Selma" y el riesgo para "The Theory of Everything" como las probables "ninguneadas" de la noche.

Lo mejor del 2014

Después de algunos meses (y tarde pero sin sueño) no podíamos dejar pasar la lista de lo mejor del año 2014 basados en las fechas de estreno en cines locales (de allí algunos filmes que datan del año del anterior). Rápido y sin complicaciones, comenzamos:

1. The Grand Hotel Budapest (Wes Anderson,2014).

Una comedia que va desde la fantasía, el humor negro y hasta la caricatura. Refrescante trabajo que le da continuidad a la trayectoria de un director único en la actualidad. También mi favorita para los Oscares.

2. Her (Spike Jonze, 2013).

Portento de originalidad en el cual la ciencia ficción encuentra su vertiente melancólica. Las mejores actuaciones incluso para una invisible Scarlett Johansson.

3. Nymphomaniac Vol. 1 (Lars von Trier, 2013).

El final de su "Trilogía de la Depresión" es un gran relato con tantas disgresiones como una novela pero contadas con la fuerza visual del mejor director de nuestros tiempos que con esta obra refrenda su lugar privilegiado.

4. Interstellar (Christopher Nolan, 2014).

Una historia que rodó por Hollywood durante varios años hasta que cayó en las manos de un gran director contemporáneo. Fiel al modelo de Kubrick tenemos un épico recuento de la exploración espacial combinado con teorías físicas sobre la relatividad que no se habían visto hasta ahora. En última instancia una historia de amor en muchos sentidos, cuenta con una partitura inolvidable asi como una nueva generación de robots copilotos que terminan poniendo en evidencia a la naturaleza humana.

5. Birdman (Alejandro González Iñárritu, 2014).

La gran propuesta (prueba y apuesta) de Iñárritu por un cine atrevido y vanguardista en el que pretende una película de una sola toma con una farsa actoral que reúne a uno de los mejores repartos pero que termina llevándonos hasta el interior de la psique del resucitado actoral Michael Keaton (que sin duda será premiado por esta gran obra que encumbra su ya larga trayectoria).

6. The Guardians of the Galaxy ( James Gunn, 2014).

Una entrañable banda de "perdedores" nos brindaron la película más redonda y divertida de la factoría Marvel de este año. Sí, para disfrutar un buen rato con palomitas y sin pretenciones.

7. The Wolf of Wall Street (Martin Scorsese, 2013).

El retorno triunfal de Scorsese al cine que domina a la perfección (casi biográfico) de "mafias específicas"(en este caso la bursátil) en su ascenso al poder, abuso del éxito y final caída.

8. American Hustle (David O. Russell, 2013).

Otro gran ensamble actoral en una historia de estafadores ambientada en los estruendosos finales de los 70's (de ahí el vestuario y diseño de producción tan sobresaliente).

9. Une rencontre (Lisa Azuelos, 2014).

Una modesta historia de romance, atracción y obsesión en tiempo real e imaginario entre dos adultos maduros que marca el regreso de la siempre sensual Sophie Marceau.

10. Volando Bajo (Beto Gómez, 2014).

El falso documental con la historia del dúo musical de Los Jilgueros de Rosarito nos brinda una comedia que habla de la vida, el éxito y la separación de caminos en el transcurso del tiempo, todo en un tono de farsa, aderezada con grandes canciones e interpretaciones inesperadas.

Además...

el 2014 fue un año en que grandes nombres de la dirección como Darren Aronofsky (con su cinta Noé) cayeron del pedestal a causa de obras fallidas.

Mientras tanto fue un gran año para el cine mexicano al dar variedad a las temáticas y presentar cintas como:
Besos de Azúcar
La Dictadura Perfecta
Guten Tag, Ramón
Odio el Amor
Eco de la Montaña
Cantinflas
Obediencia Perfecta

Que el 2015 nos traiga grandes películas.







 

Palomazo Cine Piojito presenta: The Book of Life (El Libro de la Vida, 2014) de Jorge Gutiérrez o cómo pensamos que Taco Bell son verdaderos tacos

No me voy a andar con rodeos ni me extenderé de más:

NO ME GUSTÓ: Es larga, aburrida, predecible por tanto lugar común, diálogos con las frases más repetidas, se vale de canciones conocidas mientras que las originales son olvidables.

Es un “paseo turístico” para los gringos. Todo “parece” mexicano pero es sólo visual. Hay mucho desconocimiento de la cultura a la que aluden  y sí abunda en los estereotipos de cómo nos ven los extranjeros. Hasta algunas de las canciones vienen en inglés subtitulado con una traducción que nada tiene que ver con la letra original. La única pregunta que me quedó al final de la película fue “¿De cuánto habrá sido el billete para que tanto malinchista le haya entrado a este bodrio?”.

A pesar de que el director tiene nombre de torero la cinta es todo antagonismo al respecto. ¿Quiere cultura? Lleve a sus hijos al museo y al tianguis del día de muertos.

Ahorre tiempo y dinero. Evite ésta.

Palomazo Cine Piojito presenta: Godzilla (2014) de Gareth Edwards... o los monstruos de vacaciones

¡ALERTA! POSIBLE SPOILER – leer después de ver la película – POSIBLE SPOILER ¡ALERTA!

¡ALERTA! POSIBLE SPOILER – leer después de ver la película – POSIBLE SPOILER ¡ALERTA!

Bueno, ya empezó la temporada de verano en el cine y los que somos seguidores de Godzilla y pensábamos que no había mejor manera de empezarla, nos quedaremos esperando sentados un rato más.

Por lo menos la cinta busca apegarse a las originales japonesas y no terminó en el bodrio de la versión de 1998, pero el director Gareth Edwards sólo repite su mismo truquito de Monsters (2010) pero con más dinero y ante productores más billetudos, en el que cree que aburrimiento es sinónimo de profundidad e inteligencia.

El problema radica en enfocarse en personajes clichés y anodinos. Cualquiera que haya visto las recientes producciones de cine de catástrofe, desde Deep Impact (1998) hasta 2012 (2009), notará que hay un punto en que las historias de los personajes es un mero relleno ante lo que sería el verdadero meollo de la historia y que los directores prolongan (y en algunos casos evitan) mostrar. Algo similar pasa aquí.

Aaron Taylor-Johnson, alias “el Kick-Ass”, finalmente esta tomando posesión del lugar que le depara Hollywood como galán protagónico. No es mal actor, sino uno muy competente en opinión de quien esto escribe. El director aprovecha la fama de Bryan Cranston, también competente, pero desperdicia totalmente a David Strathairn, Sally Hawkins y a Ken Watanabe en papeles que bien podrían no haber estado en la historia.

Lo que el director olvidó es que la película se llama “Godzilla”, que es la estrella y es la que menos tiempo tiene a cuadro. Valoren si un tiempo aproximado de dos minutos en cuadro vale por el precio de su boleto. Es más, ni en el poster oficial se puede ver completo.

Le diré lo que vale la pena: La grandiosa banda sonora creada por el maestro Alexandre Desplat, la fotografía de Seamus  McGarvey y la inolvidable secuencia del salto HALO para la cual se piratearon los sonidos de 2001: Odisea del Espacio.

El resto del tiempo, abúrranse a gusto.

Para cuando la película termine sentirán que faltó emoción y que quedó muy alta la vara para los que vengan después de Guillermo del Toro y su Pacific Rim (2013).

Esperaremos a ver qué día Godzilla vuelve a Japón, que parece haber vendido a uno de sus últimos baluartes culturales del divertidísimo cine B de la segunda mitad del siglo XX. ¿Es ahora Godzilla un héroe americano? Yiaaakkkk…>(

Palomazo Cine Piojito presenta: Yi dai zong shi (El Gran Maestro, 2013) de Won Kar Wai… o la historia del Kung Fu es una historia de China.

Desde el cartel y las primeras escenas Yi dai zong shi parecería una película de artes marciales tipo Budo pero, para decepción de la audiencia que esperaba tal cosa merced a las coreografías combativas del famoso Yuen Woo-ping, no lo es. Y la razón está desde su autor, el reconocido Won Kar Wai y su historial de obras de arte por mencionar Ah fei zing zyun (Días salvajes, 1990), Chung Hing sam lam (Chunking Express, 1994), Duo luo tian shi (Ángeles Caídos, 1995), Chun gwong cha sit (Happy Together, 1997) y  Fa yeung nin wa (Deseando amar, 2000) por mencionar las más recordadas. En todas ellas, los temas que más le interesan como la incomunicación de las personas, su estado de melancolía, el aislamiento social y la búsqueda del compañero ideal están muy presentes por lo que la pregunta era: ¿cómo iba a ser tratado eso en “El Gran Maestro”?

Ya Won Kar Wai había demostrado que el género no era un molde que lo encasillara. Desde Dung che sai duk  (Las Cenizas del Tiempo, 1994), su cinta que se remonta más en el pasado de los espadachines chinos, hasta 2046 (2004) que se avanza en el futuro al año del título, demostró que la condición humana prevalece a pesar de las condiciones temporales, así que situarse en la franja a mitad del siglo XX, durante la ocupación japonesa en China, no sería inconveniente para desarrollar su personal visión del cine.

Uno de sus actores fetiches, el magistral Tony Chieu Wai Leung encarnaría al maestro del Kung Fu Wing Chun: Ip Man, un aristócrata que no tiene nada más que hacer que practicar artes marciales durante los primeros 40 años de su vida, hasta que la intervención japonesa lo arroja dentro del drama de su pueblo. Pero además Tony Leung le presta una facultad para transmitir emociones que difícilmente tendría el personaje original: La serenidad inamovible se puede tornar deseo o nostalgia en la actuación de quien mejor ha sabido encarnar los personajes de Won Kar Wai.

El contrapunto de mayor peso lo proporciona la aparición de Ziyi Zhang en su actuación de la trágica Gong Er quien sería el último baluarte de un estilo de arte marcial condenado a desaparecer por motivo del machismo imperante en el ambiente de las artes marciales.

La unión de estos 2 caracteres representan una ópera china (a veces más equiparada a la occidental) y por ello aparecen las tradicionales representaciones marciales, pero la carga sentimental (ejemplificada en los funerales del padre de Gong Er y su última despedida de Ip Man en una calle solitaria) es el principal tema de la cinta, que mezcla contemplación con filosofía al más puro arte marcialista.

El proyecto duró muchos años en preparación. El perfeccionismo de Won Kar Wai le imprimió lentitud a la producción. La fotografía de Philippe Le Sourd (nominada al Oscar junto al diseño de vestuario) aunada a los valores de producción son dignos de encomio, pero el punto más frágil de la película radica en su edición: falta de ritmo sin lugar a dudas puede resultar de lenta a pesada para algunos espectadores. Esto se acusa en el personaje de “La Navaja” cuyas apariciones no tienen un peso específico en la película y estorban en la narrativa de la relación de los dos personajes principales.

Ciertamente no quedará en la memoria de los fans de Won Kar Wai como una de sus mejores películas (sí una de las mejor logradas visualmente), pero tampoco caerá en el olvido pues vale la pena revisarla. Y es que, cuando un artista es de altos vuelos, hasta sus trabajos no logrados son dignos de aprecio.

Palomazo Cine Piojito presenta: Obediencia Perfecta (2014) de Luis Urquiza... o dejad que los niños vengan a mí.

Una verdad incómoda, contundente y directo a la yugular. La ópera prima del otrora productor Luis Urquiza inicia con una clara referencia a “ya saben quien” (y para no caer en la cautela de la misma película sustitúyase por “Maciel y los Legionarios de Cristo”) pero su historia va más allá y podría ocurrir durante cualquier tiempo, en cualquier país y bajo cualquier religión.

Como historia en el género de “Iniciación”  se agregaría al grupo de cintas que irían desde Apt Pupil (1998) de Bryan Singer o hasta The Reader del 2008,  ya que Obediencia Perfecta plantea el dilema del personaje infantil desde un debate dialéctico sobre los límites de la inocencia y su proceso de corrupción como requisito para dejar la infancia. No hay que perder de vista que su tema es la pederastia. Pero es el pantanoso tema añadido de la religión el que le emparenta más con cintas como La Mala Educación de Pedro Almodóvar del 2004 y que la pondrá en la escabrosa balanza entre la validez artística y el debate de moral. A algunos les parecerá risible (nerviosamente) mientras que otros la tendrán por condenable. Seguro que no dejará medias tintas en la opinión de nadie.

El chico un poco perdido en la edad en que es más fácilmente impresionable, debe verse seducido por el carisma de un líder y éste personaje quedó a cargo de un Juan Manuel Bernal muy recordable y que no sería apresurado ni descabellado pensar en una mención al Ariel, con su sufrimiento a la Gustav von Aschenbach de Morte a Venezia (1971). Pero además se ve muy bien respaldado por un cuadro de actores del cual Juan Ignacio Aranda roba cuadro en un papel que podía prestarse a la exageración pero al cual logra sacarle buen partido, contrario a Luis Ernesto Franco cuyo personaje podía haber sido el contrapeso en la historia del personaje principal pero que se pierde tras el primer acto, dejando su participación como intrascendente para la trama. Es claro desde la llegada del chico al internado que frente a él tiene a una gavilla de inadaptados que secundarán en sus bajezas a su descarriado capo.

Cuestionando a quién le confiamos nuestros hijos, el filme abunda en el discurso de la influencia que ejerce “el opio del pueblo”, como le llamaba Carlos Marx a la religión, dentro del fuero interno y social. La fe como llave de control. El proceso de dominio, de despojo de la libertad, se va cumpliendo a carta cabal según van anunciando los títulos que marcan los apartados en la cinta, la cual se suma a la tradición anticlerical que viene desde los tiempos de la llegada de Luis Buñuel al cine mexicano. De allí las referencias que van desde Los Olvidados de 1950 y El Ángel Exterminador de 1962 hasta llegar a El Crímen del Padre Amaro (2002) de Carlos Carrera. Obediencia Perfecta, a veces tendenciosa, a veces “sacándole al parche”, se suma a la lista con buenas calificaciones: el director la pensó fuera de la caja imperante en el actual esquema de producción y sus valores creativos están bien cimentados: desde la fotografía de Serguei Saldívar Tanaka, la producción de Joaquín de la Riva, Josefina Echeverría y Diego Suárez Groult hasta la parte auditiva a cargo de Alejandro Giacomán y Herminio Gutiérrez tienen tan buena calidad que da la sensación de estar viendo una cinta extranjera. Lamentablemente, la historia escrita por Ernesto Alcocer puede seguir pasando ahora mismo y en cualquier lugar.

Palomazo Cine Piojito presenta: MARVEL al 2 X 1

Ante la ola de películas de la casa Marvel, que ya nos tiene acostumbrados a estrenar un promedio de 3 cintas por año y dado el éxito de las últimas entregas cabe preguntarse si la compañía Marvel ya ha dominado el género de superhéroes mediante sus historias, sus elencos, su hechura, etc. (recuérdese que hace una década sus películas eran muy desiguales) o simplemente han logrado "adiestrar/amoldar" a su público para que sea más condescendiente y acepte sus películas, de tal manera que logran complacer en cierta medida a todo espectador. Pero eso queda para el debate.

PRIMERA FUNCIÓN

Captain America: The Winter Soldier (Capitán América y el Soldado de Invierno,2014) de Anthony y Joe Russo.

Marvel Films opta por cambiar de director (aun cuando el obrero Joe Johnston hizo un buen trabajo con la anterior) y sorprendentemente, también de género. Ambas apuestas dieron buenos resultados. Mientras que Captain America: The First Avenger apelaba al cine bélico palomero que fuera tan fundacional en los inicios de Hollywood con lo que ganaba en esa sensación retro que dejaba la cinta, ahora a los hermanos actuales directores más especializados en dirigir series televisivas les cayó un guión digno del género de espionaje que abundara mucho durante la década de los 60's y 70's, y que de igual manera recupera la sensación de la guerra fría omnipresente después de que ésta ya ha sido finiquitada desde la caída del muro (pero que sorprendentemente vuelve a tomar vigencia si no véase la reciente Jack Ryan: Shadow Recruit). Y para rematar, se despachan con la cuchara grande y se dan el lujo de tener al mismísimo Robert Redford en el elenco.

En ambos formatos de historia el personaje del Capitán América encarna a un digno héroe de tragedia griega que inexorable va hacia un destino arduo sin flaquear en su rígido código de ética. Sus aliados dejan de ser los expertos y son los personajes del pasado quienes cargan el dominio de las acciones. A un punto pareciera que la cosa va a acabar muy mal y deja una sensación de incertidumbre en el espectador que aumenta la emoción en el desarrollo de la cinta.

El reparto estelar cumple con las actuaciones ya conocidas y da tiempo para extender el estudio de sus personajes en circunstancias adversas. Grandiosa incursión de los nuevos personajes (¿más Avengers? Bienvenidos). La cinta eleva el nivel para la siguiente, incluidas las dos escenas en los créditos finales.

SEGUNDA FUNCIÓN

The Amazing Spider-Man 2 (El sorprendente Hombre Araña 2: la amenaza de Electro, 2014) de Marc Webb.

El Hombre Araña parecería ser de esos personajes que por alguna razón tienen un buen desarrollo en el cómic pero que parecían adolecer de una mala traducción a la pantalla. Por lo menos así fue durante la trilogía de Sam Raimi/Tobey Macguire en la que, después de un buen inicio, terminó por venirse abajo con cada nueva entrega que aparecía, a pesar de que su director se jactaba de ser un fanático del cómic y que sólo por eso tenía la autoridad moral del artista más idóneo (y que más lo comprendía) para llevarle al celuloide.

Pues eso ya ha terminado.

Tras un inicio fallido como fue el anterior reinicio de la serie, en el cual se perdió la oportunidad de emocionarnos con el primer villano (y uno de los más prometedores) como era el lagarto (además de desperdiciar a los actores Rhys Ifans y Denis Leary), la cosa no prometía mucho desde el anuncio con un Jamie Foxx que interpretaría a Electro, que por mucho no parecería el más peligroso del larguísimo catálogo de villanos del héroe arácnido, además que su apariencia similar a la del Capitán Frío de Arnold Schwarzenegger en la ignominiosa Batman & Robin de 1997 no parecía un buen augurio.

Pero ahora el experimentado director de videos se supera a sí mismo y nos entrega una cinta que, a pesar de su longitud que pasa imperceptible gracias a su ritmo, logra desarrollar los momentos dramáticos además de confeccionar secuencias de acción dignas de aprecio, logrando una secuela que mejora a la predecesora con todo y la historia del personaje.

Los actores aportan buenas actuaciones y los efectos especiales son una vista imperdible.

Hasta el tema de la cinta interpretado por Alicia Keys parece uno de los mejores en la franquicia.

Sólo una nota final que no esperamos eche a perder la cinta: 

- ¿Qué hace una escena de los X-Men que nada tiene que ver por el momento con el contexto del Hombre Araña mitad de los créditos finales?

- Contra lo que nos tienen acostumbrados en Marvel, NO HAY escena final al término de los créditos, pero de todos modos los fans esperarán para asegurarse a pesar del aviso.

Archivos Secretos de la Cinemateca Perdida: Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem (2003) de Kazuhisa Takenouchi

Desde que en 1967 The Beatles publicaran el que sería llamado el primer album conceptual (e integral) en la historia de la música, muchos son los artistas que han logrado conformar producciones con unidad temática y búsqueda musical al respecto. Pero en los híbridos posteriores que se dieron entre distintos medios de comunicación fue a partir de la era de la psicodelia en que se que reparó en el enorme potencial de los medios visuales para llevar más allá de la música el concepto del grupo. Algunas no tan logradas fue en 1982 que Pink Floyd The Wall se volvió una referencia de este tipo de cine, diferente al musical (por lo cual no se menciona a Tommy de The Who, que fue una opera y después sólo fue "ilustrada" en imagen por Ken Russell) en la cual un director de cine hace equipo con un grupo musical para juntos crear una obra diferente y enriquecida de cada uno hubiera logrado por su lado.
Con este antecedente los franceses de Daft Punk se asocian con los estudios TOEI de animación para convertir el album "Discovery" de 2001 en la película animada "Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem" en 2003. Liberados los primeros 15 minutos como videos unitarios en MTV la historia inicia con los cortos más conocidos del dueto electrónico, pero el resto de la cinta también será un "descubrimiento" para quienes quieran disfrutar de la unión de música y anime.
La animación puede parecer tradicional comparada con las sofisticaciones actuales y con otros productos más agresivos de la misma casa productora pero cumple muy bien con ilustrar el album mientra la música cumple con resaltar las animaciones. Nótese que la imagen se defiende muy bien para contar su historia con pocos sonidos propios y ningun diálogo mientras que la música también tiene un poder evocador de imágenes que no se pelean con los que estan en la pantalla. Sólo comparando con la agrupación 10 años después, entonces se notaba un Daft Punk un poco crudo en sus cortes musicales, con sampleos a veces repetitivos y en otras con poco desarrollo que de pronto estallan en los portentos rítmicos que todos conocemos.
El grupo protagonista de la historia parece "personificar" los estilos musicales de los cuales abrevan los franceses: rock, funk, blues y la misma electrónica para Arpegius el guitarrista, Octave en el sintetizador, Stella la bajista y Baryl en la bateria respectivamente. Además esta la oportunidad para los animadores de hacer de Stella, la clásica chica bella pero lánguida que les gusta a los animadores nipones, el objeto primordial en el eje de la historia al ser la dama en desastre que el héroe Shep buscará rescatar del maléfico Earl de Darkwood. Además de presuponer que los genios de la música no eran de este mundo hay una clara alegoría hacia los grupos prefabricados, su decaimiento productivo y la libertad del verdadero artista.
Véanla:
http://youtu.be/aD3PEjWzz3s

50 películas que cambiaron al Cine (10/10)

No.5 Requiem for a Dream (Requiem por un Sueño, 2000) de Daren Aronofsky.

Otro referente al cine contemporáneo que dio a conocer al nuevo cronista de los perdedores en una historia de caída sin redención que, además de secuencias inquietantes, lleva su realismo a niveles elegíacos.

No.4 Moulin Rouge! (Amor en Rojo, 2001) de Baz Luhrmann.


Intento por renovar el musical por medio del reciclaje de la música pop embetunado de una recarga visual casi churrigueresca, bajo la autoria de un director pretencioso y sobrevalorado. Sí logra una original cinta de género romántico.

No.3 Mulholland Drive (Sueños, Misterios y Secretos, 2001) de David Lynch.

Un maestro del cine que ha creado sus propios códigos de comunicación basados en temas oníricos logra su obra más elaborada al momento y más libre, casi anárquica, que requiere de la capacidad abstracta del espectador.

No.2 Irreversible (2002) de Gaspar Noe.

Se trata de un alarde narrativo (con sus consecuencias técnicas) de contar una historia al revés, además de incluir las escenas gráficas más perturbadoras y de mayor fijación mental en la cinematografía acutal. No para cualquier gusto.

No.1 Kill Bill Vol. I/II (2003/2004) de Quentin Tarantino.

Tarantino usa y recicla todo lo que puede, incluyendo su propio estilo: Animación, planos secuencia, partición de la imagen para escenas simultáneas, filtro blanco y negro, cámara lenta y hasta cultura pop. Al terminar de verla, sabes que no has visto algo común.

50 películas que cambiaron al Cine (9/10)

No.10 The Pillow Book (El Libro de Cabecera, 1996) de Peter Greenaway.

Si el cine de Greenaway ya era denso temáticamente, a partir de Prospero’s Books (1991) inició una experimentación visual que incorpora texto y escenas superpuestas y simultáneas que no dejan espacio libre en el campo visual logrado en este filme. Visualmente recargada, se puede decir barroca, vuelve al cine una obra de arte visual contemporáneo, difícil de captar en su totalidad a primera vista por la amplitud de campo visual del ojo humano por lo que, seguramente, volverá a apreciarla de inmediato.

No. 9 Trainspotting (La Vida en el Abismo, 1996) de Danny Boyle.

El texto de Irvine Welsh se acomoda al estilo de Boyle resultando una cinta de ritmo acelerado con imágenes inverosímiles que, junto con Tarantino, bien podría significar la definición del cine contemporáneo. Su filosofía conectó de inmediato con muchos de los jóvenes de la época.

No.8 Festen (La Celebración, 1998) de Thomas Vinterberg.

La primera película del último movimiento fílmico del siglo XX: El Manifiesto Dogma 95, que buscaba el retorno a la naturalidad y realismo del cine pero que, por definición, terminaría consigo mismo. Lo mejor del movimiento fue la sociedad de Thomas Vinterberg y Lars Von Trier, además de su influencia mutua.

No. 7  The Matrix (1999) de Larry y Andy Wachowski.

Si se tiene una serie de cámaras alrededor de una escena, todas son sincronizadas por medio de una computadora se podía lograr una toma en pausa o movimiento vista desde los 360°. Este tipo de tomas sería la carta de presentación de esta película que, junto con la partición del tiempo, anunciaba que ya no había nada más que no se pudiera filmar.

No. 6 Memento (Amnesia, 2000) de Christopher Nolan.

Película sencilla (sólo 3 personajes) pero de historia compleja que se desenvuelve a sí misma a pesar de las constantes regresiones en la trama y que marcó la llegada de otro joven maestro en la dirección que logra su expresión autoral incluso dentro del sistema comercial de Hollywood.

50 películas que cambiaron al Cine (8/10)

No.15  Last Temptation of Christ (La Última Tentación de Cristo, 1988) de Martin Scorcese.

La primera película sobre Jesucristo que provocaría toda clase de disturbios, bandalismos e indignación por su carga herética. Aún está prohibida en muchas partes del mundo. En México se permitió su estreno 20 años después. Todavía en nuestros tiempos la religión es un tema de mucho cuidado.

No.14 The Abyss (El Secreto del Abismo, 1989) de James Cameron.

Cinta que finalmente presenta una secuencia de CGI (Imagen Generada por Computadora) terminada a detalle con un efecto de agua casi sólida, el cual que sería mejorado para Terminator: Judgment Day (1991) como metal líquido. Serían los primeros pasos de lo que ahora parece indispensable en Hollywood: el CGI.

No.13 Reservoir Dogs (Perros de Reserva, 1992) de Quentin Tarantino.

Película pequeña de consolación que terminaría por entrar a los grandes festivales por la puerta grande, haciendo de su director el nuevo “enfant terrible” del cine; y muchos proclamaron el inicio del género hiperviolento (al cual se adscribieron artistas como Takeshi Kitano y repudiaron otros como Michael Haneke).

No.12 Pulp Fiction (Tiempos Violentos, 1994) de Quentin Tarantino.

Finalmente el sueño tan largamente deseado por su director se lleva a cabo. Se define el estilo “tarantinesco”, por no decir postmodernista: Narrativa fragementada, cultura pop reciclada, diálogos absurdos y violencia autoafirmantes. Aún el modelo para el cine actual. ¿Cuántas veces no lo hemos visto (y lo seguiremos viendo)?

No. 11 Toy Story (1995) de John Lasseter.

El primer largometraje de animación por computadora es además una historia ingeniosa y original. Personajes entrañables cuya hechura cuida todos los detalles del relieve en la imagen. Cinta destinada a seguir entreteniendo sin importar el paso de los años.